渋谷で中古レコード店をやっていると、時々お客さんに訊かれるコトがあります。

「レコードってどこに保管しているんですか？」って。

店内に並んでいる膨大なレコードの量を見れば、たしかに気になりますよね。

しかしですね、実はあれは氷山の一角なんです。

Next Recordsでは店頭に並んでいるレコードの何倍もの在庫が、店舗とは別の場所に保管されています。

そしてその倉庫が、今回またしても引越しすることになってしまいました…。

いや〜もうね、本当にこれはレコード屋の宿命と言っていいかもしれません、決して宿命にはしたくないのですケドね。

今日はそんな「レコード屋の裏側」の話を書いてみようと思います。

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渋谷でレコード店を始めて26年

オイラの運営しているNext Recordsは、2000年に渋谷・宇田川町でスタートしました。

気がつけば今年で26年目になります。

お店をはじめた当初の渋谷といえば、レコード店の密集地帯でした。

最盛期はホントに凄かった。

90年代から2000年代前半、宇田川町から神南あたりまで歩けば、あちこちにレコード店がありましたからね。

当時に比べると今はさすがに数は減りましたが、それでもこのエリアにはまだ何軒ものレコード店が営業しています。

この街には、やっぱり音楽文化の土壌があるんでしょうね〜今でも海外からのレコードコレクターやDJもよく来てくれます。

そんな渋谷で長くレコード店をやってきて思うのは、レコード屋のイチバンの悩みは在庫の保管…。

これに尽きるんですよ。

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中古レコード屋はとにかく在庫が増える

レコードというのは不思議なもので、仕入れを続けていると本当に増えていきます。

オイラの店でもホボ毎日のようにレコードが入荷します。

買取もありますし、海外から仕入れるコトもあります。

そして中古レコードは基本的に1枚1枚違う商品なんですよ、つまり同じ商品を大量に売る商売ではないんですね。

中古レコード屋は、「1枚しかない宝物」を扱う商売です。

だからこそ、良いレコードはできるだけ持っておきたい…次はいつ再び入荷できるか解らないのでストックしておきたいっていう心理が強く働くんですよね。

でもその結果どうなるかというと…店がレコードで埋まります。（笑）

今のお店の状態はというと

・入口 → レコードのダンボール山盛り
・店内 → エサ箱の下のストック棚がパンパン
・バックヤード → 指が入らないほどレコードが詰まっている
・カウンター → 入力作業中のレコードで溢れている

つまり、完全に飽和状態です。

店主としては、お客さんを迎える入り口くらいはキレイにしておきたいって常に思っているんですよ。

でもレコードがそれを許してくれないっ!

これがレコード屋のリアルです。

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2013年、最初の倉庫を借りた

この問題が限界に達したのが2013年でした。

もう店内では保管しきれない。

そこでオイラは自宅の近くにコンテナ倉庫を借りました。

その時の記事はコチラ

レコード用の倉庫を借りました!

ダンボールに詰めたレコードを大量に移動して、

「いや〜スッキリした！」と思ったんですよ。

しかしですね…数年後にはまた店内がレコードのダンボールだらけになりました。

そしてコンテナ倉庫をもうひとつ借りるコトになりました。

それでもまた数年後には店内がレコードだらけになっちゃいました…。

もうこの頃から物理的に店が破綻し始めていたんでしょうね。

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2017年、倉庫兼事務所を借りる

そこで2017年、オイラは一大決心をしました。

倉庫兼事務所を借りるコトにしたんです。

ご存知の通り渋谷の賃貸物件って、めちゃくちゃ高いんですよ。

でももう店内だけでは仕事が回らないんですよ。

フダンの入力作業にご来店いただいたお客さんとの接客に1000枚単位で持ち込まれる買い取りの査定…ソレを店内の限られたスペースで行うのはゼッタイにムリっ!って状況になっちゃんたんですよね。

そうして借りたのが、築60年の超古い雑居ビルでした。

広さは23平米くらい。広さ的には約14畳くらいの広さです。

でもこれがレコード屋的には最高だったんですよね

なぜなら

・ビルの1階の物件だった
・しかもレコードを積んだ車を横付けできる
・さらに天井高め(レコードが詰まったダンボールを積み上げることが出来る)

・オマケにリアル店舗からメチャ近いっ!（徒歩2分）

・さらに家賃は10万円以下っ!（ありえないっ!）

レコード屋にとって、「車を横付けできる1階」は神物件なんですよね。

重たいレコードを何箱も運ぶワケですから。

この築60年の超古い雑居ビルはまるで当店の倉庫兼事務所のために存在するような物件でした。

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そして2023年、突然の退去通告

この場所を倉庫兼事務所として6年くらい使っていました。

店内から溢れ出た大量のレコードを保管したり、数千枚規模の買い取り査定のレコードを査定したりとメチャ重宝していました。

ところが更新のタイミングで大家さんから

「次回の更新はできません」って言われたんですよ。

その理由は、「建物の老朽化による取り壊し」でした。

まあ築60年ですからね。

仕方ないとはいえ…また引越しです。

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新しい倉庫はより最高の物件だった

物件探しをして見つけたのが、お店からすぐ近くの物件。

しかも

・徒歩1分いや走ったら30秒っ!
・しかもコチラも1階の物件
・モチロン、車を横付け可能
・さらに築60年の物件よりも天井が高い

・オマケに広さも前より少し広い。

これはもう「理想的で完璧なレコード倉庫」でした。

築60年の物件も相当なレア物件でしたがコチラは更にソレを上回るくらいの好条件の物件だったんですよね〜。

ただしっ!「家賃は2割アップ」でしたが…（泣）

しかしもう退去勧告がすでに出されていたので内覧したその日のうちに即決で契約しました。

家賃が上がるのは正直イタかったですがそれでも「ココで腰を落つ付けて長くやっていこうっ!」と思って引越ししました。

その時の記事はコチラ

急遽、レコード倉庫の引越しを敢行っ!

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しかし2年でパンパンに…

上記に紹介したブログ記事を見て思ったのですが広いですね〜数万枚のレコードを積み込んでもまだスペースに余裕があるように見えます。

トコロがですね、レコードというのは本当に恐ろしいもので最初は

「収納力スゴいっ!」

と思っていた倉庫も2年足らずでパンパンになりました。

イヤ〜マジでに恐ろしい…。

レコードは増える生き物なんじゃないかと思うくらいです。

まぁ〜だけど四方八方をレコードが詰まったダンボールに囲まれた中でオイラはレコードの選別作業や査定に勤しんでいました。

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そして再び退去通告

で、はじめての倉庫件事務所の更新を終えた翌月に管理会社から通知が来ました。

「オーナーチェンジしました〜」

まぁコレは、収益性の高い繁華街の賃貸物件ではよくあるハナシなので

「ふ〜ん…そうなんだ…」

くらいに思っていたんです。

しかしその2ヶ月後。

新しい不動産会社から電話がかかってきました。

その内容は、

「建て替えるので退去してください」

えっ…「マジかっ！？」

もう本当に青天の霹靂でした。

少し前に更新したばっかりなのにナンでだよっ!って。

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渋谷で倉庫を探すのは大変

急いで物件探しを始めました。

条件は

・店から徒歩2〜3分
・できれば1階
・車横付け可能
・20平米以上
・家賃安め

しかし…

そんな好都合な物件はナイっ!

不動産屋から紹介されるのは、こんなよく見るワンルームマンションばかりなんですよね。

玄関
ユニットバス
キッチン
ベランダ…いやいやレコード倉庫に風呂やベランダ、キッチンもいらないんですよ。

とにかくレコードを保管するというコトに特化した使い方としてはムダなスペースが多すぎるんですよね。

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そして選んだのはマンション

退去の期限は一応決められていたのですがオイラの性分上、引越し先が未確定というそういった問題点がクリアされなければ落ち着いてシゴトが出来ないんですよ。

物件を紹介してくれる不動産屋も連日、「コレはどうですか？」ってカンジで物件のチラシを見せてくれるのですがまったくオイラの希望にカスらない…。

そんなダメダメ物件の中でも唯一、マシなのが1つだけあったんですよね。

しかしっ!家賃が今より2.5割増っ!コレは、イタい出費です。

決してキレイとは言えない古いレコードを保管するのに高額な家賃を払うのは効率的に考えて正直ムダです。

述べ30件以上の賃貸物件を紹介してくれましたがチラシを見ただけでひとつも内覧してみようって思う物件がありません。

そんな状況を見かねた新しいオーナーから「今の家賃の差額分を営業補償として補填するので移転してほしい」って条件が提示されました。

そこまでの好条件を提示されるとサスガに移転先を決めざるを得ませんよね。

で、最終的に決めたのが唯一マシな物件でした。

この物件、今の倉庫のすぐ近くのマンションなんですよ。

しかしコレが完全にオーバースペック。

・15階建ての高層マンションの6階
・オートロック
・日当たり最高
・眺望良好

・しかもリアル店舗から徒歩1分

というか、オイラが住みたいレベルの部屋なんです。

正直

「ココをレコード倉庫にしていいの？」ってカンジです。

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300箱のレコード引越し

現在オイラは、台車にレコードを積んでせっせと引越ししています。

そのダンボールの数、推定300箱くらいあります。

ホントはもっと多かったんだケド、50箱をコンテナ倉庫に移動させました。

引越し先が近くとはいえ、300箱は相当な量です。

しかもレコードは重い…だいたい1箱20kg近くありますからね。

もう完全に筋トレ状態です。

新しいオーナーさんからは引越し期間として2ヶ月の猶予をもらったので少しづつダンボールを移動させて行こうと思います。

ん〜しかし、時間的に余裕があるとはいえホントにタイヘンです。

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レコード屋という仕事

レコード屋ってハタから見ていると優雅なシゴトに見えるかもしれません。

音楽に囲まれて

レコードを聴いて

好きなものを売る。

でも実際は結構、肉体労働の比率が高いんですよ。

レコードは

重い
場所を取る
増え続ける

そして

引越しがタイヘン。

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それでもレコードが好き

正直に言うともう引越しはホントに勘弁してほしいです。

っていうか引越しのたびに毎回言っていますケドね。

引越ししたくないのに強制的に引っ越しさせられちゃうって状況は、コレまでに何回もありましたからね。

あ〜思い返してみれば今のリアル店舗も建物を取り壊すから出ていってくれって言われて移転したんですよね。

ん〜今回の引越しストレスで口内炎までできました。

しかしですね〜それでもレコード屋を続けている理由はやっぱりレコードが好きだからなんでしょうね。

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レコードという文化

アナログレコードは、単なる音楽メディアではありません。

ジャケット
盤の質感
音の温度

そして

ナニよりもレコードを探す体験

コレ等すべてが文化だと思います。

Next Recordsでは12インチシングルのオリジナル盤だけを扱っています。

すべてのレコードは

・クリーニング
・品質チェック
・試聴可能　　にしています。

そして1枚1枚に推薦コメントを書いています。

これは率直に「レコードとの出会いを楽しんでほしい」という気持ちからなんです。

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次の引越しはもう勘弁

今回の移転先のマンションは、築10年くらい。

なのでタブン…もう引越しはナイでしょう。

タブンですが…（笑）

むしろ心配なのは家賃の大幅UPです。

こんな高額な家賃を中古レコード販売で維持できるのか…。

それより先にオイラのカラダが300箱の引越しに耐えられるのか（笑）

ONE WAY feat. AL HUDSON / DO YOUR THANG
ONE WAY feat. AL HUDSON / DO YOUR THANG の試聴
next recordsのサイトでONE WAYのレコードを探してみる

レコード屋の裏側

もし渋谷に来る機会があればゼヒお店にも寄ってください。

店内に並んでいるレコードの裏には

こんな倉庫と在庫の物語があります。

でもそれもレコード文化を守るシゴトの一部…。

今日もまた台車にレコードを積んで倉庫と店を往復しています。

願わくば…

次の引越しは10年後くらいでお願いします（笑）

イヤ、もう引越しはしたくないっ!

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ヒット曲の裏側を読み解く音楽制作のハナシ

オイラは毎日、Instagramでおすすめの12インチシングルを紹介しています。
ただ「良い曲です」ではつまらないから、その曲が生まれた背景や制作陣、当時のシーンなんかも含めてできるだけ深掘りな解説をしています。

そんな作業を続けていると、

「アレ…この曲、アーティスト以上にプロデューサーの色が強くないか？」ってコトに気がつきます。

音楽の主役はもちろんアーティストです…歌い、演奏し、表現するのはやはり彼らです。

でも、レコードジャケットやレーベルに記載されているクレジットをじっくり見ていくと、同じ名前のプロデューサーが別のアーティストのヒット曲にも並んでいるってケースが少なくありません。

そして不思議なコトに、そのプロデューサーが関わっている曲は、どれも「似た雰囲気」がする。

で、思ったんですよ…。

「もしかして、このヒットはプロデューサーが生んだのでは?」

今回はそんな“アーティストとは別のもう1人の主役であるプロデューサーについて整理してみたい。

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プロデューサーって何をしている人？

フダン音楽を聴いていると、アーティスト名は覚えていてもプロデューサー名までは意識しないコトが多いと思うんですよね。

でも楽曲の制作現場では、プロデューサーはかなり重要な存在です。

例えるなら映画の監督であったりスポーツのコーチみたいな存在ですね。

アーティストがフツフツと内側から湧き上がる衝動を持つ存在だとすれば、プロデューサーは外側からその衝動を整理し、カタチにする人みたいな役割ですね。

テンポを変える。
キーを下げる。
サビをもう一度作らせる。
不要なパートを削る。

場合によってはバックミュージシャンの選定やスタジオの選択まで決めたりすることもあります。

つまり「この曲をどう完成させるか」の最終責任を負うのがプロデューサーという立場になります。

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12インチ文化とプロデューサー

当店が扱っている12インチシングルの世界では、プロデューサーの存在は特に重要だったりします。

もうゼッタイに無視できない存在ですね。

70〜80年代のDiscoやPost Discoの時代は、12インチはDJのためのフォーマットでした。

長いイントロ、ブレイク、ダブミックスにさまざまなリミックス…。
これらは決して偶然生まれたものではありません。

フロアを知るプロデューサーが緻密に設計しているワケです。

同じアーティストでも、プロデューサーが違うとまるで別物のサウンドになります。

だから商品札に「◯◯がプロデュース！」と書くだけで、それはブランドになるんですよね。

実際、お客さんとの会話でも

「このアーティストが好きだったんですケド、実はプロデュースしている◯◯の曲が好きだったみたいです。」

コレって、本当に多いんですよね〜。

つまり聴き手であるリスナーは無意識に「プロデューサーの色」を聴いているとも言えますよね。

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衝突が生む名盤

自己表現の塊のようなアーティストと、客観的に作品を整えるプロデューサー。

この関係は時に衝突します。

でも面白いのは、その衝突が名盤を生むことがあるというコトでしょう。

やっぱりアーティストって結構、感情で進みたがるトコロってあると思うんですよ。
だけどプロデューサーは完成度で止める。

この緊張感が、余分なものを削ぎ落とし、核心だけを残すみたいな効果があるようです。

一方で、衝突が悪い方向に進むとどうなるか…。

方向性が定まらず、ドッチつかずのボンヤリした作品になっちゃうみたいですね。
また場合によってはヒットの再現を狙いすぎて、前作の劣化コピーになる…このケースもよくありますよね。
時には音が整いすぎてそのアーティストの躍動感や生命感が損なわれるコトもあったりします。

ん〜成功と失敗は紙一重ってカンジですね。

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なぜセルフプロデュースが増えたのか？

イロイロ調べてみるとどうやら90年代以降、セルフプロデュース志向が強まったようです。

楽曲制作における環境やテクノロジーの進化で、自宅で録音できるようになったコトも大きいようですね。

でもそれ以上に、

「自分の物語を自分でコントロールしたい」

ってアーティスト自身の欲求が強くなったんじゃないかなって思います。

80年代はヒット工場型のプロダクションが強く、アーティストの個性が均質化することもあったようです。

その反動として、DIY精神や自主制作文化が広がったみたいな流れでしょうね。

ただし、セルフプロデュースが必ずしも正解ではないっていうコトもあります。

やはり外部の耳が入らないと、客観性を失うコトもあるようですね。

結局はバランスなのかもしれません。

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プロデューサーで聴く音楽

コレまでアーティスト名で曲を探していた人にオススメのレコードの探しかたのご提案。

次はプロデューサー名で探してみてはどうでしょうか。

同じプロデューサーが手掛けた別アーティストの曲を聴くと、音の共通点っていうのが結構が見えてくるんですよ。

Next Recordsのオンラインサイトでは各レコードにタグを付けているので気になるプロデューサー名のタグをクリックして、横断的に試聴してみてください。

きっと「あ〜ナルホドね〜」と思う瞬間があると思いますよ。

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レコードは設計思想の結晶

アナログレコードの面白さは、クレジットが物理的に残るコトでもあります。

ジャケットを裏返し、小さな文字を読んでみるとそこに制作の痕跡があるワケです。

ストリーミングでは見逃しがちな情報が、12インチシングルにはガッツリと刻まれています。

当店では店頭に並んでいる商品札にそういったプロデューサー名をキッチリ記載しています。
コレって単なる情報ではなく、その曲の設計思想としてとても大切な情報だと思うんですよね〜。

メチャヒットした曲も、もし別のプロデューサーだったら全然違う結果になっていたかもしれないですしね。

でも主役はやっぱりアーティストです。

プロデューサーはあくまでも影の設計者という存在です。

この関係が面白いですよね。

だけど音楽はアーティストだけでできているワケではないっていうのがよく解ります。

その背後にいるプロデューサー、エンジニア、バックミュージシャン。

特にプロデューサーは、楽曲の方向性を決める極めて重要な存在です。

次にレコードを手に取ったら、ぜひクレジットを見てみてほしいなぁ〜って思います。

そして、
「このプロデューサーが関わっているなら間違いないっ！」

そんなお気に入りの名前をゼヒ、見つけてほしいですね。

タブン、音楽の聴き方が少しだけ変わると思いますよ

店頭でもオンラインでも、ぜひプロデューサーという視点でレコードを探してみてください。

音楽は、もっと面白くなると思いますよっ!

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オイラは毎日、店頭に並んでいる12インチシングルの中から1枚を選んで、Instagramにレコメンド記事を投稿しています。
紹介する曲の背景やそのアーティストのプロフィールとかをウィキペディアや公式サイト等で調べて、自分なりの解釈を交えながら紹介する時間は、正直いって結構まぁまぁ楽しかったりします。

で、調べ物をする中で、フト気づいたコトがあります。

「アレ？この曲ってカバーだったのか…」って。

しかも、そういうケースってホントに多いんですよね。

まぁ〜オイラの浅い音楽知識では、そういうのも仕方がナイのですが…(笑)

で、思ったんですよ…表現者であるプロのアーティストが、どうして他人の曲を歌うのだろうって。
アルバムの1曲として収録するならまだしも、シングルカットされている場合も少なくないんですよね〜アーティストにとってシングルってのは、セールスの顔でもあるワケですよ、そうイミではいわば勝負曲だとも言えます。

なのにどうして、他人が作った曲 & 物語を自分の代表曲にするのか…。

今回は、そんな疑問を出発点に、カバー曲についてオイラなりにじっくりと考えてみたいと思います。

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なぜプロはカバーするのか？

最初は単純に、商業的な理由だと思っていたんですよね。

すでに知名度のある曲をカバーすれば、元曲の認知度に乗っかるコトができるしね。

レコード会社の戦略としては、カバー曲をリリースするコトってアル意味で合理的な判断だともいえます。

新人アーティストがヒット曲をカバーして注目を集める例は枚挙にいとまがないですよね。

でも、それだけなんでしょうかね〜。

オイラはレコードを眺めながら、もう少し深い理由があるのではないかとカンジるようになったワケです。

まず前提として、アーティスト・ミュージシャンにはいくつかのタイプがいると思います。

自分で曲を書くソングライター型。
歌や演奏で楽曲を最大限に輝かせるパフォーマー型。
そして、その両方を兼ねるタイプ。

プロの世界では、「自作曲でなければ価値がない」という考え方は必ずしも主流ではないと思います。

むしろ「この曲を最も輝かせられるのは誰か」という視点の方が重要になるコトも多いんじゃないでしょうか。

音楽は「創る」芸術であると同時に、「解釈する」芸術でもあると思います。

例えばJazzのスタンダードを思い浮かべてみると、同じ曲を何十人ものミュージシャンが演奏しています。でも、どれも同じにはならないですよね。

テンポ、フレージング、音色、グルーヴ…そこに宿るのは、その曲をプレイしている演奏者の人生そのものです。

カバーとは、他人の曲を借りる行為ではなくって「自分のフィルターを通して語り直す」行為なのかもしれないって思ったワケです。

そしてもうひとつ、カバーはリスペクトでもあるとも言えます。

個人的には音楽は系譜だと思っているんですよね。
例えばSoulはゴスペルから、RockはBluesから、HipHopはSoulやFunkから生まれたワケです。

好きだから歌う。
影響を受けたから弾く。

それは継承であり、対話でもあると思うんですよね。

ちょっとロマンチックな言い方だと「カバー曲は、過去と現在をつなぐ橋」なんじゃないかなってレコード棚を整理しながら時々思ったりするワケです。

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シングルという「勝負のフォーマット」

Next Recordsは12インチシングル専門のレコード店です。
シングルは、アーティストの名刺のような存在だとも言えます。

特にダンスミュージックの世界では、12インチは武器でもあります。
フロアでどう鳴るか、どう身体を動かすか…それが全てみたいなトコロってありますからね。

そんなフォーマットでカバーを出すというコトは、「この曲で勝負するっ!」という宣言に近いですよね。

アーティスト的にはココには葛藤もあるハズです。

他人の曲をやることへの抵抗。
オリジナルとの比較。
ファンからの評価。

それでもカバーを選ぶのは、その曲を「自分のモノにできる」と確信した瞬間なのじゃないかな。

そういった考えだと、元曲を聴いて「確かにこの曲、イイ曲だけどもっとこうすれば更にカッコよくなるんじゃないかな」とか思ったりするんでしょうね。

で、表現者の性分として自分の思うようなスタイルでこの曲をカバーする…で出来上がったカバー曲のを多くの人に聴いてもらいたくなる…「よしっ!シングルカットしてオレのカバー曲で勝負してやるっ!」みたいなカンジになるのかもしれませんね〜まぁ、かなり妄想が入っていますが（笑）

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カバーがオリジナルを超える瞬間

では、カバーがオリジナルを超えるコトはあるのだろうか。

コレね〜結構多くあると思うんですよね。

ただし、超えるとは「売れた」という意味では決してありません。
曲の「意味」が更新されるコトだという解釈です。

同じメロディ、同じ歌詞でも、歌う人が変わればその物語は変わる…みたいなカンジです。

例えば男性目線のラブソングが、女性の視点で歌われた瞬間、その曲は別のメッセージを帯びてきます。

ジャンルが変われば、身体性も変わる。
ホッコリ和やかなFolkがキレキレのRockになり、しっとりと聴かせるバラードがエモーショナルなHouseになる。

ダンスフロアで鳴った瞬間、それまで静かに聴かれていた曲が踊れる曲に変わるみたいなイメージですね。

12インチ文化は、この「更新」を加速させたフォーマットだとも言えます。

ロングバージョン、ダブミックス、リミックス。
原曲を素材に、再構築する…これはコピーではなくって新たな再解釈であるワケです。

「カバーは、慣れ親しんだ物語を、別の語り部が語るようなものですよ」ってよく店頭でお客様に言ったりしています。

その曲の結末は知っている…でも、語り口が違えば、感動はまったく別モノのように変わる。

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時代の鏡としてのカバー

カバーを聴き比べると、面白い発見に気が付きます。

同じ曲なのに、
70年代は生音主体、
80年代はシンセが前に出て、
90年代はビートが太くなる。

音の質感は、時代の鏡でもあるワケです。

個人的にはこれを「時間旅行」的感覚だと思っている。

ある曲のカバーをキッカケに元曲へ遡る、さらにその曲のルーツを辿るみたいカンジですね。

レコードは、音楽の歴史の地層みたいなものかもしれませんね〜。

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カバーは葛藤の産物でもある

それでも、表現者としての葛藤はやっぱりアルんじゃないかな〜。

他人の曲をやることへの違和感や比較される怖さみたいなトコロってありますからね。

でも逆に言えば、オリジナルがあるからこそ、カバーは丸裸になるとも言えます。

そういったイミでは言い訳ができないワケです。

アーティスト的にはそこに覚悟があるのかもしれませんね。

だからこそ、カバーが成功したときの輝きは結構強いんじゃないかな。

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レコード屋として思うコト

オイラの店には、オリジナルの元曲のレコードもあれば、カバーのレコードも扱っています。

同じ曲だけど市場価値はまったく違うんですよね。
でも音楽的価値はホント単純ではないですよね。

元曲を知らなかったお客様が、カバーから入ってルーツを辿る姿なんかを見ると、音楽の面白さを改めてカンジるワケです。

元曲とはジャンルや音色が全然違っていてもカバーは新たにその曲を聴く人たちの入口になるってコトも多いですしね。

そして時には、元曲よりもその人の人生に深く刺さるコトもあったりしますしね。

それって、スゴいコトじゃないですか。

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次にカバーを聴くときは

次にカバー曲を耳にしたときに「どうしてこのアーティストは、この曲をカバーしたんだろう？」って少しだけ考えてみてください。

ヒット曲だから？
尊敬する先達へのオマージュ？
それとも、今の時代にこの歌詞を投げかける意味を感じたから？

背景を想像するだけで、その曲は一段と立体的になると思うんですよね。

で、オイラがぜひオススメしたいのは、聴き比べるコトです。

元曲とカバーを続けて聴いてみると、不思議なホド違いが浮かび上がってくる。

テンポは速いのか遅いのか。
キーは変わっているか。
イントロはアレンジの仕方。
ドラムは生か打ち込みか。
ベースラインは強調されているか。

特に12インチシングルの場合、ロングイントロやブレイクの処理、ビートの抜き差し、空間の使い方に、そのアーティストやリミキサーの美学が明確に出てきますよね。

「あ、この人はフロアで鳴らすコトを前提に再構築しているな」とか、
「原曲のメロディを残しながら、グルーヴだけを今っぽくしているな」とか。

そうやって耳を澄ませていくと、カバーは「答え合わせ」ではなく、「解釈の比較」になると思います。

そしてもうひとつ面白いのは、声の違いです。

同じ歌詞でも、
ささやくように歌うのか、
叫ぶように歌うのか、
淡々と語るのか。

声の質感、息遣い、間の取り方で、曲の物語はまるで違う方向へ進んでゆきます。

カバーは、慣れ親しんだ物語を、別の語り部が語ってくれるようなモノですからね。

さらに一歩踏み込むなら、「このカバーが出た時代」を想像してみるのも楽しいと思いますよ。

70年代の温かい生音。
80年代のシンセの煌めき。
90年代の太いビート。
2000年代以降の洗練された音圧。

同じ曲が、時代というフィルターを通してガラリと姿を変えるワケです。
ホント、カバーは時代の鏡でもあるってコトがよく判ります。

そして、最後にもうひとつ。

カバーから元曲へ、さらにそのルーツへと遡っていくコトもイイですよ。

「あ、このコード進行、もっと古い曲にも使われているな」
「このメロディ、Jazz由来だな」なんてカンジで掘っていくと、音楽は一本の線ではなく、巨大な樹のように枝分かれしているコトが判ってきます。

レコードは、そういう聴き方ができるメディアだと思うんですよね。

レコードプレーヤーの前に立ってレコード盤に針を落とすという行為は、音楽に真正面からストレートに向き合うというコトでもありますからね。

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元曲は無名でカバーで世界的ヒットになった有名曲

ココまでカバー曲についてイロイロ書いてきましたが、じゃあカバー曲で元曲はソレホド有名じゃなかったのにカバーされたコトで世界中に知れ渡るコトになった曲ってナニ?って言うのが気になったので調べてみました。

Whitney Houston / I Will Always Love You (1992)

原曲：Dolly Parton / / I Will Always Love You (1974)

コレは、調べる前から「タブン、このカバー曲だろうな〜」って思っていた通りでした。

原曲は Dolly Parton が1974年に発表したカントリー・バラードです。
恋人への歌ではなく、当時のプロデューサーでありビジネスパートナーとの決別に際して書かれた曲だったそうです。

原曲は素朴で温かく、アコースティック主体であくまで「私的な手紙」のような楽曲です。

実は当初、映画の主題歌候補は別の楽曲だったそうです。
しかし権利の問題などで使用できなくなり、代替案を探していたトコロ、俳優のケヴィン・コスナーがDolly Partonの曲を提案したとされています。

やはりこの曲はプロデューサーの David Foster による大胆なアレンジの刷新がWhitney Houstonの圧倒的なヴォーカルワークと見事にハマったんでしょうね。

ちなみにWhitney Houstonのカバーが世界的にヒットしたコトで原曲を歌ったDolly Partonは嫉妬どころか、誇りに思っていたと言われてます。

Whitney Houston版の成功により、Dolly Parton自身の印税収入も大きく増えましたがDolly Partonはそれ以上に、「私の曲が新しい世代に届いた」というコトをとても喜んでいたそうです。

ここにカバー文化の理想形があると思うんですよね〜オリジナルへのリスペクト…そして原作者の祝福。

BLACKNUSS feat. NAI-JEE-RIA / THINKING OF YOU
BLACKNUSS feat. NAI-JEE-RIA / THINKING OF YOU の試聴
next recordsのサイトでBLACKNUSSのレコードを探してみる

オイラは今日も、インスタグラムへ紹介記事を投稿するために店頭から12インチを1枚選んでいます。

それがオリジナルであれ、カバーであれ、そこに宿る解釈を感じながらね。

今度、Next Recordsに来ていただいた時にカバー曲に思いを馳せながらレコード棚を覗いてみてください。

きっと、新しい物語に出会えると思いますよ。

店頭在庫のカバー曲はコチラのリンクからチェックできますよ!

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